EL AVARO (Abril 2010)

EL AVARO.

Teatro María Guerrero.

Autor: Moliere.
Versión y Adaptación: Jorge Lavelli y José Ramón Fernández.
Director: Jorge Lavelli.
Intérpretes: Juan Luis Galiardo, Mario Martín, Palmira Ferrer, Manolo Caro, Aída Villar, Javier Lara, Rafael Ortiz y Tomás Sáez, entre otros.

Estrellas: ***

MISERIA SOBRE FONDO GRIS.

Juan Luís Galiardo ha remarcado la actualidad de este texto. Realidad que vivimos cuando colocamos el concepto “Tener” como objeto existencial. Nos hemos vestido de egoísmo, supliendo valores que hemos olvidado por su nula rentabilidad. ¿Cuánto vale este Avaro que imaginó el gran autor francés? Seguramente tras ver esta obra, diremos:”vale menos que nada”; y sin embargo no nos atrevemos a parar nuestro paso y contemplarnos en el gigantesco espejo que Jorge Lavelli ha colocado en el fondo del escenario del María Guerrero. El avaro somos todos. Una gran parte de avaricia, de codicia y nepotismo que cubrimos con ricos ropajes y la mal llamada diplomacia.
El director italiano ha envuelto esta historia en un color gris, con una luz acertada que acoge una gráfica escenografía, sirviendo bien al texto, cuya versión realizada por José Ramón Fernández y el propio Lavelli es espléndida. Hay dos bellos momentos en la función, el primero, en el que un telón cubre el amor de Elisa y Valerio, al comienzo de la misma y cuando ese telón rojo cae sobre los intérpretes, concluyendo la función. Entre estos dos tiempos, se desarrolla una potente función, en la que Galiardo se mueve con una suficiencia absoluta. El actor andaluz es el personaje de Moliere con una rotundidad demasiado generosa en matices. Los intérpretes aparecen sobre el escenario con la cara pintada de blanco. Quizá simbolice la irrealidad física de lo que vemos; la contemporaneidad de unas palabras que nos exponen seres incorpóreos para alejarnos de lo que mueve al mísero protagonista. Estos actúan de un modo que no sabría definir. Sin decir que cada cual va a su aire, me siento incapaz de asegurar el total acierto de esta función.

Sofía Basalo. (Publicada en la revista El Embrujo)

CARLOS HIPÓLITO. (Septiembre 2009)

Ha afirmado en alguna ocasión que no hay nada más gratificante que ir al teatro y salir más inteligente. Sin duda, Carlos Hipólito ha aplicado esa frase, ese “deseo como espectador” a su carrera. Una trayectoria profesional en la que ha sembrado títulos imprescindibles, magníficas interpretaciones y una más que importante cantidad de premios que avalan a nuestro personaje como uno de los grandes nombres de la escena.
Tres han sido las razones fundamentales que lo han conducido directamente al universo teatral siempre personalísimo de Calixto Bieito. La primera de ellas es “la oportunidad de cerrar un círculo” ya que “hace exactamente treinta años interpreté a Don Carlos en un montaje dirigido por José Carlos Plaza en el Teatro de la Comedia; con lo que dar vida ahora a su padre, el rey Felipe II, me produce mucha emoción.” Por otro lado, “el texto es magnífico y los personajes son muy interesantes” y la tercera razón pasa por la siempre polémica visión teatral de Bieito “tenía muchas ganas de trabajar con Calixto. Me gustan los directores que hacen cosas diferentes y trabajar con él es especial”. Esa diferencia se ha concentrado sobre todo en una puesta en escena casi operística que “se tenía muy claro desde el principio” y que, sin embargo, ha dejado un amplio espacio al texto y su lectura política “con la que estoy absolutamente de acuerdo”.
Schiller nos muestra “cómo un aparato de estado totalitarista no deja respirar al individuo y niega totalmente su libertad. Cómo un absolutismo tan grande puede cerrar toda posibilidad al libre pensamiento, pero también nos habla de cómo la iglesia y el estado se alían para mantener su poder y un sistema corrompido.” Temas muy actuales que han llevado a este gran montaje hasta el Festival de Mannheim, donde se rinde homenaje al autor alemán. Posteriormente “Don Carlos” ha clausurado el Festival del Grec en Barcelona y a partir del 17 de Septiembre recalará en el Teatro María Guerrero, iniciando la temporada del Centro Dramático Nacional.
Carlos Hipólito bromea con el hecho de “haber aguantado treinta años” y con la casual noticia de que todavía “nadie le haya echado de la profesión”. Sin duda estamos ante un grande de la escena, “Un Rey” sobre el escenario, cuya humildad, capacidad para la sorpresa y curiosidad por lo novedoso y diferente lo hacen aún Más Grande.

Sofía Basalo. (Publicado en la revista El Embrujo)

AMAIA SALAMANCA. (Noviembre 2009)

Se siente afortunada por debutar sobre las tablas y tener el lujo de hacerlo de la mano de tres grandes nombres de la escena. Afirma estar aprendiendo mucho, sobre todo “a hablar más despacio y a enfatizar”. Amaia Salamanca se estrena en el teatro con un cuento del siglo XVIII, “La Marquesa de O”. Su personaje es Julia, una mujer que queda embarazada sin saber cómo, decide tener a su hijo y darle un padre contraviniendo así las normas morales de una sociedad arcaica. Para la joven actriz su personaje es “una mujer con mucho carácter, muy decidida, capaz de plantar cara a sus padres y llevar a cabo aquello que cree justo”
La interpretación apareció en la vida de Amaia Salamanca de forma casual “me apunté a una agencia para ver si salía algo, con el objetivo de ganar unas pelillas nada más y me llamaron para el casting de SMS, una serie de la sexta”. Ése fue el comienzo de un camino que ha ido compatibilizando con sus estudios universitarios “los he continuado hasta ahora, que los he tenido que aparcar” ya que el cine y el teatro le ocupan mucho tiempo y de momento “me gustan mucho, no podría elegir ninguno de ellos. Los tres me atraen enormemente” aunque reconoce que el teatro “es mucho más difícil. Ver al público, tenerlo cerca es un responsabilidad enorme” más aún cuando el propio Juan José Otegui, padre de la actriz en la función, ha manifestado: “yo me retiro, pero una actriz viene detrás pisando fuerte”.
Sin duda Amaia Salamanca ha tenido mucha suerte iniciando el camino teatral de la mano de Magüi Mira, junto a Tina Sáinz y Juan José Otegui, sin olvidar a su también compañero en la mediática serie, Josep Linuesa. Su trabajo es notable, si bien en un tiempo en el que la televisión se sube al escenario buscando la rentabilidad, se le debe exigir mucho más.
Unos llegan otros se van, podría ser el resumen de este capítulo. Sin embargo algo dejan los que se retiran que han de recoger los que llegan casi por imperativo legal. Ojalá nuestra protagonista haga lo debido.

Sofía Basalo.

Reportaje publicado en la revista El Embrujo.

ADULTERIOS. (SEPTIEMBRE 2009)

ADULTERIOS.

Teatro Maravillas.

Autor: Woody Allen.
Adaptación: Nacho Artime.
Dirección: Verónica Forqué.
Intérpretes: María Barranco, Miriam Díaz-Aroca, Fermí Herrero, Fernando Acaso Y Paloma Bloyd.

Estrellas: ****

COMEDIA CON MAYÚSCULAS.

Intuía que el origen de la risa reside, también, en un texto inteligente, en unas interpretaciones impecables, en una dirección genial; en una buena propuesta, en definitiva. Sin embargo, siempre resulta reconfortante descubrirlo, sobre todo, cuando un teatro nos pone más que difícil algo tan obvio como ver la función. Una servidora la vio de pie, de principio a fin y a pesar de ello, pudo entrar de lleno en las tres historias de amor y desamor que en el despacho de una peculiar psicoanalista estaban teniendo lugar; en las hilarantes y lapidarias frases que volaban de un personaje a otro con agilidad y acertada entonación; en el buen trabajo de Miriam Díaz-Aroca, actriz por la que quien escribe apostaba más o menos, nada; en las situaciones quizá exageradas en extremo al final de la obra y que sin embargo el público cree de lleno, hasta distinguir en los personajes a algún que otro conocido.
El tema central seguramente está más que trillado. Sin embargo es eterno como el ser humano, dispuesto siempre a caer en la trampa de los afectos envueltos en palabras que no quieren decir nada. Por esta razón y por la inteligencia de su autor, “Adulterios” resulta ser una joya; quizá por ello y por el buen trabajo del equipo que la ha traído a España, esta comedia se escribe con mayúsculas. Algo maravilloso se respira, pues, en un teatro al que no le va su nombre.

Sofía Basalo.

Crítica publicada en la revista El Embrujo.

ADRIANA OZORES. (Sexos 2009)

Ha estado diez años alejada de los escenarios. Diez años en los que, nuestra actriz ha desarrollado una estupenda labor en el cine y en la televisión. Hace un par de temporadas decidió que era una buena época para regresar. Así, Adriana Ozores se convirtió en Lady Macbeth y como “es tan divertido variar” hoy podemos verla en el Teatro de La Latina interpretando a “Cristina” en la comedia “Sexos”. “No es una comedia fácil” nos comenta la actriz “Hacemos una dura crítica a los tópicos de las relaciones personales”. Dos parejas y una amiga común son los personajes que desarrollan este “vodevil” en el que en un escenario vacío, cinco buenos actores hablan de las inseguridades comunes, de la inmadurez que nos paraliza con un lenguaje más que directo.
Nuestra protagonista se encuentra encantada con este proyecto “Uno de los factores que influyó para que aceptara este papel, fue el hecho de que todos los intérpretes somos amigos. Sin ese feeling hubiera sido imposible”. Adriana Ozores considera que “Se hace buena comedia” algo importante porque “con ésta se llega con más facilidad al corazón de la gente” por esta razón “Sexos” está teniendo tanto éxito, pues “realmente no sabemos quiénes somos y solemos apreciar la paja en el ojo ajeno sin darnos cuenta de la viga que nos ciega. Nos cuesta muchísimo hacernos responsables de nuestras propias historias”. No le pasa eso a Cristina, el personaje al que da vida “Es la única que rompe; pues todos continúan con sus roles. Quizá espera demasiado pero de los cinco es la más madura”
Adriana Ozores considera que vivimos un buen momento teatral “basta con echar un vistazo la cartelera” si bien estima que los valores y exigencias han cambiado, perjudicando de este modo a los jóvenes que intentan hacerse un hueco en este ámbito “No basta con ser guapo, pero eso es lo único que te exigen en la mayoría de las ocasiones”

Sofía Basalo.

Reportaje publicado en la revista El Embrujo.

JOAN CROSAS. SWEENEY TODD. (2008)

Joan Crosas: "Prefiero el prestigio al éxito mediático".



Hace tan sólo dos meses daba vida a un peculiar Don Quijote que viajaba a París para acabar con el Moulin Rouge. En esta nueva aventura, Joan Crosas encarna nuevamente a Sweeney Todd, en el musical homónimo de Sondheim. Ya lo interpretó en 1997, también bajo la dirección de Mario Gas, quien ha querido recuperarlo en una apuesta para la cual ha recurrido a la totalidad del reparto original.

Pregunta: ¿Cómo aparece la oportunidad de encarnar nuevamente, una década después, a Sweeney Todd?

Joan Crosas: Me llamó Mario Gas. Habló conmigo y me propuso hacer otra vez este personaje con el mismo reparto y le dije inmediatamente que sí, que me interesaba mucho.

Pregunta: ¿Nos aguarda alguna novedad?

Joan Crosas: Habrá alguna sorpresa, sí... suponqo que con los años maduras y se aportan cosas diferentes, pequeños detalles.

Pregunta: La oportunidad de interpretar a un mismo personaje dos veces supongo que te da la oportunidad de hacer cosas que en su momento no hiciste y corregir aspectos que no te convencieron...

Joan Crosas: Primero está el hándicap de la edad, han pasado once años y lo primero que tenía que ver yo era si físicamente y vocalmente podía responder a este personaje. En esta profesión hay que arriesgar siempre y la verdad es que en los ensayos estoy viendo que sí, que puedo llegar. En cuanto a reahcer cosas, Mario Gas está replanteándolo todo desde la base, cada escena, detalle, gesto, frase... con lo que es cierto que puedes buscar cosas nuevas que no se hicieron...

Pregunta: Es uno de los personajes más complicados del teatro musical, ¿cómo se consigue hacer fácil lo difícil o que al menos lo parezca?

Joan Crosas: Ésa es nuestra obligación. En principio hay que dominar muy bien la maravillosa partitura de Sondheim. No es fácil y está muy ajustada a la dramaturgia, no es como otros musicales. Aquí lo hablado y lo cantado va completamente solapado, las mismas intenciones, los mismos sentimientos, y creo que esto provoca que el personaje se haga complejo, pero cuando dominas esto ya lo tienes metido dentro, sólo es cuestión de exteriorizarlo.

Pregunta: Tengo entendido que la escenografía es verdaderamente compleja...

Joan Crosas: Sí, muchísimo. Los técnicos aquí son francamente unos auténticos protagonistas. La gente que está detrás moviendo todo... tiene que estar perfectamente alineado para que todo transcurra de una forma fluida y sin peligro.

Pregunta: Parece un auténtico reto...

Joan Crosas: Lo es. Pero la gente que no pudo verlo en aquel momento y ahora pueda venir al Teatro Español a disfrutarlo lo agradecerá. Mucha gente se quedó con las ganas. Se habló muchísimo en aquel momento de Sweeney Todd pero no hubo mucha promoción, el público no acudía porque creía que era un musical de segundo orden.

Pregunta: Esperáis que no sólo el fan del musical vaya a ver este espectáculo...

Joan Crosas: Yo creo que ésa ha sido la apuesta de Mario Gas, sobretodo también porque este musical es distinto a lo que se está haciendo...

Pregunta: La historia desde luego es diferente: Un hombre que pretende hacer justicia a través de la venganza. No es éste el mejor método ¿no?

Joan Crosas: Personalmente no, pero el personaje en las circunstancias de la época supongo que (entre comillas) podría tener cierta justificación... El Londres de la época, la pobreza, las condenas injustas, las deportaciones a Australia... El caso de Sweeney Todd es que desea vengarse por la muerte de su mujer, el rapto de su hija y la condena injusta a la que lo sometieron... le destrozaron la vida...

Pregunta: Sin duda, el actor de teatro musical se le exige más y necesita más preparación. ¿Qué opinas de los rostros conocidos, que tras una corta y dudosa preparación acceden a un papel protagónico de un espectáculo musical?

Joan Crosas: Creo que todo el mundo ha de tener su oportunidad. Habrá gente que llegue a protagonizar una obra y siga necesitando cierta preparación y gente que saldrá adelante sin ella...

Pregunta: ¿Crees que los teatros deben supeditar los montajes de calidad al éxito comercial?

Joan Crosas: Para mí es más importante el prestigio que el mediatismo, puesto que éste es volátil y el prestigio es sólido. Sólo creo en el trabajo duro.

Sofía Basalo.

EN LA CAMA (2008)

EN LA CAMA.
Teatro Lara.
Autor: Julio C. Rojas.
Adaptación: Yolanda García Serrano.
Dirección: Tamzin Townsend.
Intérpretes: María Esteve y Roberto San Martín.
Estrellas: ***

ÚNICOS TESTIGOS.

Somos Voyeurs. Somos testigos de una noche, en la intimidad de dos desconocidos que se desnudan auspiciados por el frágil anonimato, por el seductor sabor de la aventura, por la seguridad que ofrece saberse protegido de un futuro que no se contempla tangible. No sabemos nada de las dos personas que tenemos ante nosotros. Tampoco ellos saben nada de sí mismos. Ambos serán para ambos un vital paréntesis. Un momento inolvidable en el que por una vez podrán ser sinceros. María Esteve y Roberto San Martín son los protagonistas de ese paréntesis tan inevitable como necesario. Viajan con una energía arrolladora a través de las emociones hasta descansar en la desolación final que nos hace preguntarnos qué pasará al día siguiente. La soledad se coloca a modo de pantalla entre los amantes y los testigos. La sensación de vacío respira en la habitación que horas antes acunó el deseo. Dos interrogantes se cobijan entre las frías sábanas mientras la luz del amanecer es ya el único testigo.

Sofía Basalo.

SONATA DE OTOÑO (2008)

SONATA DE OTOÑO.
Teatro Bellas Artes.
Autor: Ingmar Bergman.
Director: José Carlos Plaza.
Intérpretes: Marisa Paredes, Nuria Gallardo, Chema Muñoz y Pilar Gil.
Estrellas: ****

ENCRUCIJADA DE HUMANIDADES.

El éxito no debe ser todo en la vida de una persona. La huida nunca debe ser una respuesta. Sonata de otoño, la obra maldita de Ingmar Bergman, es un texto dolorosamente humano. Dos seres paralizados espiritualmente hablan sin escuchar, sin observar que quizá ambos son el reflejo de sí mismos. Entre los dos, una mujer, el alma capaz de amar sin que los miedosle hagan enmudecer. Más allá del dolor, la esperanza desesperanzada de un marido que ama el recuerdo de una esposa que se sintió viva cuando el corazón de un futuro ser le dijo, en su latido, que la quería tal y como era, porque tal y como era le brindaba su vida. José Carlos Plaza ha creado un clima intimista, en el que las luces nos conducen a través de cada alma, dos horas de verdades configuradas en secuencias de un sueño envuelto en una luz prodigiosa. Los cuatro intérpretes son más que buenos; la luz que los rodea es más que una luz extraordinaria que ilumina almas, y las palabras son más que hermosas palabras.

Sofía Basalo.

ALBERTO JIMÉNEZ (2009)

El bola fue la película que lo catapultó a la fama, sin embargo, la trayectoria artística de Alberto Jiménez está avalada por importantes títulos teatrales como Historia de una escalera, Himmelweg o Argelino, servidor de dos amos. En estos momentos su proyecto más inmediato pasa por uno de los grandes títulos del "Steven Spielberg de nuestro teatro clásico", Fuenteovejuna. La originalidad de la propuesta que dirige Laurence Boswell y que podremos ver en los Teatros del Canal, es "el respeto absoluto al texto de Lope de Vega y a la época histórica en la que el autor se basa". El proceso de ensayos "ha sido muy anglosajón. Hemos estudiado las motivaciones de los distintos personajes y su contexto histórico, pues lo grande de esta obra es que nada de lo que se cuenta es ficción sino que Lope se atrevió a escribir que Los Reyes Católicos mandaron torturar a todo un pueblo". Jiménez no duda en defender al Comendador, personaje al que dará vida en esta enorme propuesta que contará con 37 intérpretes sobre el escenario: "El Comendador no actúa con maldad porque no es consciente de ello. Pertenece a un mundo antiguo del que ha aprendido que el pueblo es sinónimo a animal. No le cabe en la cabeza que esas gentes puedan tener sus mismos derechos." Notamos la profunda motivación del actor por un proyecto del que destaca "su feminismo, pues es una mujer la que impulsa al pueblo a rebelarse, y su solidaridad, algo que deberíamos aprender, inmersos como estamos en una época de individualismo".
No es individual su presente profesional ya que se halla inmerso en la promoción de sus últimos proyectos cinematográficos Pájaros muertos y Un buen hombre; de igual modo lo hemos visto recientemente en la pequeña pantalla, medio que defiende por su "repercusión", algo importante poara un séptimo arte que sufre una seria "competencia desleal con respecto a los films estadounidenses". Sin embargo, no elude su propia responsabilidad: "Los profesionales deberíamos adquirir el reto de hacer nuestro trabajo con más talento, sabiduría y habilidad".

Sofía Basalo.

JAVIER YANES (2009)

"Nunca se me hubiera ocurrido enviar el manuscrito a Plaza y Janés" afirma Javier Yanes, autor de El señor de las llanuras quien añade estar viviendo esta nueva aventura "con absoluta tranquilidad y grata sorpresa". Sin esperar un éxito que ha llevado a varios países europeos a comprar los derechos; ante lo cual, Javier Yanes no duda en afirmar que "no está todo mediatizado. Tras esta experiencia sé que no todo el mundo busca únicamente el rendimiento comercial, que aún hay personas que trabajan con absoluta pasión por la pureza de una historia."
Javier Yanes, que es biólogo, viajero, periodista y escritor, estima que su paso hacia la novela ha sido "una transición sin dolor, pues ésta tiene muchos puntos en común con el periodismo y más cuando la historia contada es ficción."
El señor de las llanuras nos presenta un viaje vital "en el que acabamos encontrando más de lo que buscábamos, casi como en todos los viajes." Una marcha quizá hacia la infancia "para recuperar su paraíso, tal vez el objetivo de todas nuestras vidas."
Javier Yanes considera que merece la pena vivir para poder realizar los sueños que soñamos siendo niños "Yo siempre soñé con viajar y escribir, y creo que estoy realizando estos sueños"; realidades, ya, que en forma de palabras nos abren un universo llendo de vida y luz, una apasionante odisea escrita por un narrador en estado de gracia.

Simón Sánchez Sabio.

LA NOCHE DE LA IGUANA (2009)

LA NOCHE DE LA IGUANA, de Tennessee Williams.
Directora: María Ruíz.
Intérpretes: Tomás Gayo, Ana Marzoa, Sara Casasnovas, Pilar Velázquez, Geli Albaladejo y Juan ANtonio Quintana, entre otros.
Teatro Reina Victoria.

Estrellas: ***

SOLTANDO LASTRE.

Una noche. Un motel perdido en el centro de un paraje casi desértico. Un oasis único para volver a nacer y dejar atrás las cadenas que nos impiden avanzar, que nos impiden ser. Un lugar al que llegan personajes variopintos con un denominador común: La soledad, la necesidad de un guía capaz de conducirlos a través de un sendero vital exento de futuro, la necesidad de creer en algo que dé sentido a un devenir absurdo, cargado de culpabilidades y ausencias. Tomás Gayo y su joven compañía han apostado fuerte al poner en pie uno de los mejores textos de Tennessee Williams. Tarea que ha sido afrontada desde una humildad que los ha convertido en verdaderos héroes, en busca de un teatro profundo y serio. Ana Marzoa brilla con total autoridad en la noche clave en la que se despedirá del poeta más viejo del mundo para vivir. Su personaje, junto al corrupto y arrepentido sacerdote que interpreta Tomás Gayo, constituyen el centro de una obra de teatro donde una destrozada humanidad lucha por la vida mientras se ahoga en el desgarro de los gritos de una Iguana indefensa.

Sofía Basalo.

PLATONOV. (MAYO 2009)

CRÓNICA DE UNA DESILUSIÓN.

Platonov, de Antón Chejov.
Adaptación: Juan Mayorga.
Intérpretes: Carmen Machi, Pere Arquillué, Pep Cortés, Mónica López y María Pastor, entre otros.
Teatro María Guerrero. CDN.
Director: Gerardo Vera.

Estamos ante una de las primeras obras de Antón Chéjov; ocho horas de un mundo que se derrumba a pedazos; ocho horas en unas vidas robadas, en unas vidas perdidas, prestadas quizá a una moral huidiza. Ocho horas que en una ímproba labor de Juan Mayorga han quedado reducidas a poco menos de tres, dando lugar a una sucesión de historias esquematizadas y a unos personajes a los que les falta alma, entidad y motivación. La puesta en escena dirigida por Gerardo Vera es excesivamente grande. Bajo una escenografía desangelada se desarrollan una serie de hechos que los intérpretes nos muestran de una forma artificial y grandilocuente. Me gustó, sin embargo, Carmen Machi que da vida al personaje más chejoviano de la función. Pere Arquillué es un Platonov con una personalidad rotunda al que le falta físico. El resto del reparto es notable si exceptuamos la lentitud en los movimientos que eterniza el final de la función, así como el molesto tonillo que conserva al hablar la joven María Pastor.

Estrellas: ***

Sofía Basalo.

JAVIER CÁMARA (Enero 2010)

Han pasado 22 años desde que llegó a Madrid y sin embargo, para Javier Cámara “El primer día sigue siendo hoy, pues si piensas que lo tienes seguro llegas a tu casa con un gran descalabro.”Es ésta, una profesión “a la que no hay que dejar de respetar y a la que no hay que dejar de entregarse nunca. Lo hacemos porque no podemos evitarlo.” Por esta razón, Javier Cámara no es un actor al que vemos simultanear televisión, cine y teatro. Él suele aducir que no se siente capaz de hacer bien varias cosas a la vez, sin embargo, considero que los motivos de tal decisión giran en torno al perfeccionamiento y la pasión con las que afronta cada proyecto. De este modo encontramos a Javier Cámara “entregado en cuerpo y alma” a La Realidad, obra de Tom Stoppard que el Centro Dramático Nacional estrena el próximo 28 de enero, bajo la dirección de Natalia Menéndez “una mujer coherente que sabe cómo tratar a un actor y se mueve con unos parámetros muy parecidos a los míos” Para Javier Cámara este proyecto está siendo una especie de examen que aceptó no sin pensarlo detenidamente “lo leí varias veces, porque en un principio me pareció algo complicado” sin embargo no pudo por menos que decir que sí “a un bombón que tan sólo durará seis semanas, con el que por vez primera piso el María Guerrero y con el que puedo ponerme a prueba. Me gusta mucho hacerlo.”. Su personaje es Henry “quizá el más autobiográfico de una obra con la que su autor pone en tela de juicio todas sus creencias” Javier Cámara debutó en el teatro en 1991 con Miguel Narros en El Caballero de Olmedo” “fue con un papel muy pequeñito” añade rápidamente.”Fui un invitado de piedra fantástico que apuntó muchas cosas y aprendió muchísimo, después fui acomodador en el teatro. Durante mi primera etapa pude observar mucho. Tuve mucha suerte en esos primeros montajes, porque aunque parecía que no hacía nada, aprovechaba todos esos momentos para aprender y crecer como profesional.” Algo que el actor riojano ha conseguido convertir en una auténtica Realidad fuera y dentro del teatro.

Sofía Basalo.

CELDA 211 (Noviembre 2009)

CELDA 211.

Director: Daniel Monzón.
Guión: Daniel Monzón y Jorge Guerricaechevarría.
Intérpretes: Luis Tosar, Marta Atura, Antonio Resines, Alberto Ammann y Carlos Bardem, entre otros.

Claquetas: ****

UN MOTÍN QUE HUELE A GOYA.

En España se puede y se sabe hacer buen cine, más allá de comedias fáciles y sexualmente recurrentes que nos llegan indisolublemente unidas a rostros comerciales e insulsos.
En España se puede hacer buen cine y por curioso que parezca hay personas que quieren hacerlo, que apuestan por buenos actores, por historias que además de hacernos pasar dos horas repletas de emoción nos plantean preguntas sin manipulaciones maniqueas y siempre nocivas. En “Celda 211” no hay buenos ni malos. Hay personas con distintos códigos que tienen o no palabra, que la mantienen o no obedeciendo a su único interés a menudo egoísta e injusto. En “Celda 211” hay una gran historia alimentada por personajes intensos que luchan contra sí mismos por sobrevivir, que luchan contra un sistema que da demasiadas vueltas para ocultar la verdad sin que nuestros ojos acierten a adivinar “el truco”. En “Celda 211” hay un gran proyecto asentado en una verdad admirable, en un tiempo de escenarios informáticos y extras creados por ordenadores. En esta película hay una pregunta final que nos impacta “¿Alguna pregunta más?”. En esta película hay una fuerza sobrenatural que nos lleva a responder: TODAS.

Simón Sánchez Sabio.

CALÍGULA (MARZO 2010)

CALÍGULA.

Teatro Fernán-Gómez.

Autor: Albert Camus.
Director: Santiago Sánchez. (L’om Imprebís)
Intérpretes: Sandro Cordero, Carles Montoliú, Garbiñe Isausti, Carlos Lorenzo, Balbino Lacosta, Marina Barba, Martín Caló, Manuel Hernández, Ramón Linaza, Sergio Gayol, Gorsy Edú y José Juan Rodríguez.

Estrellas: ****

LA SOLEDAD DEL IDEALISTA.

Pobre Calígula, ha perdido a la mujer amada, ha perdido la fe en el mundo y sólo quiere que alguien le alcance la luna para aferrarse a la posibilidad de lo imposible.
“Pobre Calígula” es la expresión que Sandro Cordero ha querido obtener de un público que comprendiese la actitud de un hombre todopoderoso perdido en el poder. Si una pequeña frustración provoca un sentimiento de hastío y decepción, qué no hará surgir en el ánimo del único ser humano libre sobre la tierra.
Todos podemos sentir como Calígula, la diferencia es que casi nadie puede actuar como él lo hace. El poder nos diferencia.
L,om Imprebís ha emprendido una aventura arriesgada por la valía del texto, la entidad de su protagonista y el elenco de actores que recrea el cuerpo de consejeros del atormentado emperador. La compañía Valenciana ha apostado por un teatro de altura y ha ganado. El nuevo Calígula es un niño caprichoso, un joven que emprende un viaje sin retorno, un sufridor que demanda comprensión, un fraternal amigo incapaz de conceder un minuto a la melancolía y al verdadero amor, un hombre lógico para un mundo obligado a funcionar con el frágil alimento de la mentira. Un emperador rodeado de buitres que ansían su omnipotencia, una víctima de su propia desazón. Y Sandro Cordero es eso y nos lo muestra con una autenticidad arrolladora.


Sofía Basalo.

PEGADOS (MAYO 2010)

PEGADOS.

Teatro Arenal.

Intérpretes: Ferrán González, Alicia Serrat y Gemma Martínez.
Músico: Joan Miquel Pérez.
Director: Víctor Conde.

Estrellas: ***

NI TANTO NI TAN CALVO.

Hace tiempo me dijeron que debía tener cuidado con los adjetivos que otorgaba a aquello que veía y con las estrellas con las que premiaba a los espectáculos que me disponía a enjuiciar, pues no habría puntuación posible para mí si por casualidad cruzaba “la frontera” y acudía a un teatro británico, alemán o incluso norteamericano. Ese consejo me ayudó mucho y centró mi perspectiva. De este modo, emito mi veredicto para un musical que no está mal pero tampoco es de lo mejor que he visto. Nada es sublime en él, nada es fuera de lo común. ¿Original, tal vez? Qué menos, cuando se parte de una historia más que trillada. ¿Música en directo? Qué menos, aunque no sea lo habitual. ¿Los chicos cantan bien? Sí, pero querría verlos acompañados por una orquesta al completo. ¿Qué Gemma Martínez está muy bien? Sin duda. Seguramente sin ella, sin su texto y su desparpajo Pegados pasaría sin pena ni gloria. Pero de ahí a calificarla como “sublime”… ¿Qué adjetivo le otorgamos entonces a Elena Roger en Piaf? Va a ser cierto que el sentido común, es el menos común de los sentidos.

Sofía Basalo.

MADRE PAZ. (MAYO 2010)

MADRE PAZ. (DIARIO AUTÉNTICO E IMAGINARIO DE CINDY SHEEHAN)

Teatro Galileo.

Autor: Darío Fo y Franca Rame.
Traducción: Carla Matteini.
Director: Carlos La Rosa.
Música: Ali Reza.
Intérpretes: María José Goyanes, Marc Parejo y Silvia Vivó.

Estrellas: ***

MADRE AMOR.

No quiso quedarse llorando en casa. A pesar del dolor y de su marido, alzó la voz, poniendo nombre y apellido a un movimiento universal. A pesar de la pérdida no quiso limitarse a ver la foto de su hijo muerto en la cruz eterna de una tumba. A pesar de su inicial soledad supo reunir a la globalidad de un mundo cansado de guerras, de mentiras y manipulaciones. Cindy Sheehan inició sola y decidida la lucha de todos aquellos que murieron por los errores de un gobierno que creyó ver armas nucleares en un país muy interesante estratégicamente; la lucha de todos aquellos iraquíes que perdieron su vida y su inocencia por la sed revanchista de unos seres que se creen Dios en un orbe en el que el único Dios es el dinero; la lucha de las mujeres para las que no hay palabras que puedan acoger todo el dolor que las rodea, que las ahoga, que las abraza violenta e incansablemente. María José Goyanes es Cindy Sheehan y lo es de un modo sobresaliente. El texto escrito por el premio nobel es preciso y directo; sin más envoltorio que la verdad y la presencia a modo de ángel guardián de un hijo que en todo momento acompañó a su madre en un camino que no emprendió en solitario.

Sofía Basalo.

EL SOÑADOR AJENO. (Enero 2010)

En un tiempo en el que parece que todo el mundo puede hacerlo todo; en el que parece que el materialismo nos ha invadido por completo; en el que los sentimientos parecen haber dejado de importarnos debido a su baja rentabilidad, es un alivio descubrir que en nuestro desértico camino también hay oasis en los que detenernos para tomar impulso y recordar que a pesar de todo no podemos dejar de ser quiénes somos, que es el amor el que en silencio conduce nuestros pasos y que son los sueños las únicas respuestas a un presente que continúa conjugándose bajo la atenta mirada de la luna. La misma luna que contempla en silencio las andanzas de los Salvatierra a través de los parajes imaginados por Alfredo Cernuda, en su primera novela, “El Soñador Ajeno”. Un libro para leer despacio, para detenerse en cada palabra; un libro que nos conduce hacia parajes maravillosos con la magia de la sencillez “Ésta es una novela sencilla” nos cuenta el también actor y guionista “habla de sueños y pasiones humanas. Nos muestra la osadía y el vértigo del primer amor; nos habla del amor maduro o tardío. El amor que sigue moviendo el mundo, aunque en la actualidad nos cueste meternos de lleno en él” Un libro, en fin, que nos invita a soñar, eso sí con cuidado “Hemos de dominar los sueños, para que no nos cieguen y nos impidan vivir el presente”. Alfredo Cernuda ha tardado un año y medio en escribir una novela que nos atrapa desde la primera página, que nos hacer volver la mirada hacia nuestro alrededor para reconocernos en él, que nos devuelve la esperanza en la belleza de una realidad capaz de conjugarse en el tiempo mágico de los sueños, que nos abre las puertas a una historia que posee el sabor de la nostalgia y la calidad literaria de quien debe considerar cumplido el sueño de ser el escritor que el lector cree que es.

Simón Sánchez Sabio.

EL CÓNSUL DE SODOMA (Marzo 2010)

EL CÓNSUL DE SODOMA.

Director: Sigfrid Monleón.
Intérpretes: Jordi Mollá, Bimba Bosé, Josep Linuesa, Biel Durán, Manolo Solo, Vicky Peña e Isak Férriz, entre otros.

Claquetas: TRES CLAQUETAS.

BUSCANDO EL PARAÍSO.

No se equivoca quien niega la poesía en las escenas eróticas de nuestro cine; quien las observa intentando extraer el buen gusto que para ello tiene el séptimo arte americano, sin resultado. Pero sí yerra quien reduce “El cónsul de sodoma” a la mera revelación de la faceta más íntima de Gil de Biedma. Yerra el espectador que no ha visto el deambular de un hombre que buscó el paraíso en las calles más oscuras del infierno; quien no ha visto la humanidad herida en el rostro de un Jordi Mollá, asombrosamente caracterizado. Él es esta película. Su trabajo es el máximo valor de un film que nos impulsa a leer a un poeta maldito que amó la vida desde la muerte; que amó la felicidad desde el dolor más intenso. El film de Sigfrid Monleón se ha estrenado cuando se cumplen dos décadas de la muerte de Gil de Biedma y rápidamente ha sido recompensada con cinco nominaciones a los Goya, entre ellas, la de Jordi Mollá como mejor actor. Me encantaría que lo ganase y seguramente sería así, si la sombra de Luís Tosar no fuese tan alargada como el ciprés…

Simón Sánchez Sabio.

CHICAGO. (Febrero 2010)

CHICAGO.

ESTRELLAS: ***

Autores: Bob Fosse, John Kander y Fred Ebb.
Director: Scot Faris.
Director musical: Sergi Cuenca.
Intérpretes: Natalia Millán, Manuel Bandera, Marcela Paoli y Gerónimo Rouch, entre otros.

SIN TRAMPA NI PLAYBACK.

Son muchas las credenciales con las que este musical ha regresado a Madrid: 13 años en Broadway, 12 en Londres y una adaptación cinematográfica que ganó el Oscar a la Mejor Película. Como comprenderán las expectativas eran enormes. Las han cumplido, pues a día de hoy, considero que es éste el mejor musical que “se aloja” en la Gran Vía. Lo es quizá porque contiene la clase, el buen gusto y la elegancia de Hollywood. Lo es porque mantiene la esencia de sus creadores, no olvidemos a Bob Fosse, uno de los grandes nombres del musical americano. Es el mejor porque es el único que no hace trampa y que a pesar de todo, ha olvidado eso a lo que recurren todos los espectáculos: “el playback”. Es el mejor musical porque está desnudo de escenografías y accesorios innecesarios. Es el mejor porque ha apostado por el valor de sus intérpretes, a pesar de que el trío protagonista podría ser más potente. Es el mejor, quizá, porque se trata, sin más, de una copia del original de Broadway. ¿Es esto entonces un piropo? No lo sé, pero hasta para copiar hay que tener arte.

Sofía Basalo.